Pop Art — це назва, яка читається як протиріччя. Мистецтво часто оцінюють як високоосвічене та оригінальне. Pop здебільшого зневажають як непристойне і повторюване. Але багато в чому назва уособлює те, що робить Pop Art дизайн таким привабливим: він проявляється в іронії та поєднує в собі те, що не варто поєднувати.
Звичайно, дизайн Pop Art завдячує своєю величчю не лише помітній назві. Це яскравий, зухвалий і різноманітний стиль, привабливість якого зберігається протягом десятиліть, без сумніву, завдяки його ролі у викраденні образотворчого мистецтва з рук еліти в руки мас.
Що таке Pop Art дизайн?
Дизайн Pop Art — це рух в образотворчому мистецтві, який панував у середині 1950-х і 60-х років, які в основному зосереджувалися на уявленнях про популярну іконографію американської поп-культури. Ці уявлення часто варіювалися від буквальних, таких як репродукції дійсних коміксів Роя Ліхтенштена, до стилізованих, таких як колажі журналів Річарда Гамільтона. На відміну від творів мистецтва, що підкреслюють особливу руку художника, Pop Art регулярно імітував безособову та машинну графіку комерційних продуктів.
Як і будь-яке мистецтво, те, що визначає щось як Pop Art, не завжди однозначне — воно залежить від особливих одержимостей та чутливості, які неминуче змінюються від художника до художника. Однак більшість робіт Pop Art поділяють кілька загальних елементів:
- тема популярних американок: знаменитостей, реклами, каталогів по магазинах та коміксів;
- технології виробництва масових матеріалів, такі як напівтоновий друк;
- надмірне повторення;
- відтворення зображень із заміненими кольорами.
Хоч все вище зазначене й описує візуальні особливості стилю Pop Art, вони не в змозі по-справжньому пояснити, що означав Pop Art як для його художників, так і для прихильників. Як стиль, який часто відтворював однакові, надмірно розповсюджені комерційні образи, мав такий тривалий вплив? Для того, щоб це зрозуміти, доведеться зазирнути в історичний контекст часу, місця та людей.
Коротка історія Pop Art
Як і багато інших мистецьких революцій, Pop Art часто засуджували, що «Це не мистецтво!!».. Певною мірою ці критики мали сенс: відтворення загальнодоступних образів, безумовно, не було тим, чим займалося мистецтво до цього моменту.
Але в той же час американське мистецтво пережило порівняно недавній період реалізму або натуралізму. У цьому русі художники відновлювали предмет свого мистецтва від релігії або буржуазних портретів до сцен (часто суворих) простих людей, щоб показати американське життя таким, яким воно було насправді. Цьому протиставились модерністські європейські рухи, такі як кубізм, дадаїзм та сюрреалізм, більшість з яких американці на виставці збройових озброєнь 1913 року зустріли з жахом — сам Теодор Рузвельт проголосив французького художника Марселя Дюшана: «Він божевільний і його уява здуріла!».
Але всі ці рухи були життєво важливими попередниками напрямку Pop Art, щоб кинути виклик тому, як повинно виглядати мистецтво і про що воно може бути.
Поза світом мистецтва життя Америки різко змінилося. Індустріалізація запровадила масове виробництво та переповнені міські центри. Пізніше, кінець Другої світової війни та економічний підйом, що послідував за цим, спричинили масову міграцію до передмістя у пошуках спокійного життя.
Водночас реклама розвивалася як визначена галузь, чому допомагали нові технології, такі як радіо та телебачення. Практики, які підкреслювали прагнення до образності, гасла та дзвінкі повтори, стали звичайною справою.
Багато зображень, які використовувала реклама в цей період — сімейні шашлики на дворі, домогосподарки у гарному вбранні, що демонструють найновішу техніку, насолоджуються кока-колою після старого доброго американського бейсболу — зображали і формували ідеальне заміське життя, яке було позначене як «Американська мрія!». Таким чином, цінності американської культури в цей період значною мірою були прив’язані до телебачення, кіно та комерціалізму. Ці культурні та мистецькі рухи стали основою Pop Art дизайну.
Художники Pop Art
Хоча американські медіа та споживацтво були предметом поп-арту, цей термін виник у Великобританії в 1950-х роках. У європейському контексті Pop Art багато в чому став реакцією на посягання на поп-культуру США через рекламу.
Наприклад, колажі британського художника Пітера Блейка часто поєднували іконографію поп-культури США з британськими. Його обкладинка для альбому для Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band славиться великою кількістю культурних ікон, що стоять на видному місці за «Бітлз», від Боба Ділана та Фреда Астера до Ширлі Темпл та Вільяма С. Берроуза.
Тим часом Пауліна Боті, засновниця британського руху Pop Art, регулярно включала в свої картини публічні знімки знаменитостей чоловічої та жіночої статі, поєднуючи їх з пелюстками троянд та яскравими кольорами у святковій чуттєвості.
Пізніше її робота набула більш критичного погляду, зокрема її картина 1964 року «Це чоловічий світ I», яка зображує популярні образи відомих людей як будівельні блоки для уряду та війни.
Американські ж художники демонстрували власні стосунки з бурхливою рекламою як відображення ідеалів і реальності. Подібно до того, як грецькі класичні художники ліпили своїх міфічних героїв і богів як втілення краси, американські ЗМІ створили нові стандарти краси.
Роберт Раушенберг, один з найдавніших американських художників Pop Art і щось на зразок «горіхів», дадаїстського художника Дюшана, створив колажі зі змішаних матеріалів, які включали викинуті предмети в картини, подібно до похованих артефактів, що визначають втрачені цивілізації. Одна з його найвідоміших робіт, картина під назвою «Retroactive II» (1963), використовувала комерційні прийоми шовкографії та привласнення відомих фотографій, що твердо ототожнювало його з рухом Pop Art.
Джеймс Гілл — ще один художник поп-арту, який демонстрував образи політичних діячів та поточних подій у своєму мистецтві, але з явно більш критичним тоном, ніж його сучасники — «Машини» (1965), де Ніксон розмовляв у мікрофони, кабелі яких перетворюються вниз на фотографії смертельної війни.
Розалін Дрекслер подібним чином побудувала свої картини з різноманітних колажних зображень, які часто привласнювалися з плакатів кінофільмів і були розфарбовані поверх сміливими, мінімальними кольорами.
Енді Уорхол часто визнають зіркою поп-арту, знаменитістю, такою ж знаковою, як і ті, кого він зображував. Більшість з його творів принесла втілення того, що таке Pop Art. Його знаменита баночка для супу Кемпбелла (1962) була відтворена та виставлена в рядках і стовпцях — художнє дзеркало супермаркетів. Його диптих «Мерілін» (1962) став першопрофільцем шовкової екранізації поп-арту, щоб відтворити портрети покійної Мерілін Монро на піку її слави в яскравих кольорах, які вицвітають до чорно-білого, а потім до пустоти.
Особливого пожвавлення поп-арт отримав у 1980-х роках завдяки Кейту Харінгу, чиї енергійні гуманоїди наголошували на повторенні та комерційному відтворенні з метою створення доступного мистецтва. Таким чином, його фрески та товари поп-магазинів отримали величезну популярність, одночасно поширюючи обізнаність у питаннях, починаючи від апартеїду і закінчуючи дивною дискримінацією.
Pop Art у сучасному дизайні
Зрештою, Pop Art — це універсальна естетика, яку будь-який дизайнер може адаптувати до своєї роботи незалежно від того, в якому десятилітті він опинився. Щоб зрозуміти, як це робиться, поглянемо на деякі сучасні поп-арт дизайни.
Багато дизайнерів пробуджують стиль через імітацію класичних творів поп-арту. Це не тільки найпростіший підхід, а він й чудово вписується в етос поп-арту — прямого привласнення та пародії.
Такий підхід найкраще працює, коли твори, на які посилаються, добре відомі, і, як наслідок, він, як правило, більше нагадує Уоргола, ніж Pop Art загалом. Але на додаток до конкретних творів та художників, це також асоціюється з 1960-ми роками, і майбутні художники поп-арту можуть вирішити прислухатися до естетики цього десятиліття. Хоча поп-культура різко змінилася з роками, конкретні ідеали старовинної реклами все ще відчутні.
Дизайн у цьому стилі демонструє (часто іронічно) заміське блаженство 1950-х років, наприклад обкладинку книги Аліси Р. Старовинна ілюстрація усміхненої жінки виглядає так, ніби вона була зірвана безпосередньо зі старої журнальної вставки, окрім стилізованого кольорового фільтра. Але звинувачувальний заголовок (у перекладі з французької) «Отже, ти все ще не одружений?» робить так, що посмішка виглядає напруженою.
Старовинні супергерої — це ще один елемент, що повторюється в дизайні Pop Art. Томмі О йде ще далі з дизайном упаковки, яка містить не тільки супергероя, а й старовинний тип та графічний текст, що нагадує каталог старовинних покупок.
Крім прямого зображення поп-культури, багато художників поп-арту також включили до своєї роботи класичні техніки масового виробництва, особливо напівтонові точки. Вони також нагадують горошок, використаний у творчості відомих виконавців поп-арту, таких як Яйой Кусама. Найкраще в напівтонах те, що вони можуть тонко наповнити дизайн поп-артом, роблячи його придатним для будь-якої кількості дизайнерських контекстів — від упаковки до дизайну логотипу.
Отже, дизайн Pop Art — це динамічний, радісний стиль мистецтва, який вдалося зберегти протягом півстоліття, що не дивно, враховуючи потужне враження, яке воно створює.
Читайте також:
На що були б схожі популярні зараз вебсайти, якби вони існували в 90-ті?
Логотип H&M: коротка історія дизайну
