Скільки насправді може змінитися за два роки? Ну, для початку — і це, очевидно, показано через роботу корейського графічного дизайнера Філіпа Кіма — два роки більш ніж достатньо часу, щоб розвиватися як на професійному, так і на більш особистому рівні.
«Ну, 2019 був роком, який приніс багато змін мені як дизайнеру, — каже він. — Працюючи в різних агенціях та студіях, я отримав великий досвід, який змусив мене споглядати себе, Філіпа — дизайнера, людину».
Філіп почав переоцінювати свій дух, філософію та методологію завдяки свідомим зусиллям взятися за більш особисті проєкти. «У мене було багато розмов з людьми за межами індустрії графічного дизайну. З цих розмов я дізнався багато речей, про які не знав», — каже він. Оскільки Covid-19 лише зробив останні два роки важчими, Філіп почав міркувати, що означає бути дизайнером у сучасному світі. Після того, як він зрозумів, «що йому потрібно зробити», він каже, що тоді він почав створювати власний лейбл під назвою Smile Flower, запущений разом із його другом і розташований між Кореєю та США. Крім того, він також має звання дизайнера в Wieden+Kennedy і є фрілансом для різних клієнтів у Нью-Йорку. «За допомогою Smile Flower та іншого досвіду я хочу розширити межі графічного дизайну і в кінцевому підсумку створити ідеологію дизайну, яка має вирішальне значення для сьогодення».
Раніше робота Філіпа була зумовлена здебільшого експериментальним перетином моди та філософії. Продовжуючи грати з кордонами та обмеженнями типів і форм, нещодавнє портфоліо Філліпа все ще є надзвичайно дослідницьким. Але замість того, щоб визначати власний стиль за допомогою слів чи категорій, він вважає за краще дивитися на це крізь плавну та спонтанну призму. «Візуальні рішення виходять із процесу. Процес має бути раціональним, і я працюю над цим. Усі суб’єктивні питання мають бути перекладені та візуально об’єктивні», — каже він. Наприклад, останній проєкт, до якого він приступив, — це співпраця з магазином Nike у Нью-Йорку. Поінформований про те, щоб зосередити роботу над ключовими словами «Нью-Йорк» і «швидко», Філіп застосував свою звичайну інтуїтивну методологію до шумної атмосфери міста,
«Люди відчували, що Нью-Йорк — це місто, яке швидко розвивається та з високим рівнем енергії, але також і місце, де багато самотності, порожнечі та відчаю, — пояснює він. — З огляду на ці контрастні емоції, люди мають стосунки любові та ненависті до міста. Ви можете побачити змішані емоції людей на вулицях Нью-Йорка, тому я хотів передати це явище через свої інтерпретації, використовуючи власну типографіку та форми».
В іншому проєкт Філіпа було доручено керувати й розробляти концепцію, стратегію дизайну та систему брендингу для виставки під назвою Circuit Seoul #1, Circulation. Створений як засіб критики поточного арт-ринку, проєкт і виставка були розроблені з використанням «буфера», метафори, яка використовується в застосуванні до брендингу та типографіки. Завдяки металевій і майже футуристичній палітрі кольорів — м’якому дитячому блакитному та просторому, суворо сірому — сама робота виглядає різноманітною, оскільки вона поєднує контрастні форми та літери. Від кутового до текучого, тип є ключовим компонентом цього проєкту.
І нарешті, Меггі — це брендинговий проєкт, над яким йому «дуже сподобалося» працювати. Невеликий, але милий, Філіп розробив ідентичність для бістро під назвою Maggie, яке розташоване в Сеулі та продає локшину Wonton та вино. «Клієнт мав низький бюджет, але дав нам велику свободу творчості», — каже він.
В результаті Філіп черпав натхнення з фільму Chungking Express і хотів відобразити історичний контекст фільму в системі ідентичності. «У той час Східна Азія була західною силою. Через процес вестернізації люди втрачали свою культуру, але боролися за збереження своєї культури та традицій. Оскільки це був такий важкий час, романтизм став для них ідеальним способом втекти від поточної реальності, і він набув популярності. Меггі була натхненна цим періодом історії, тому англійська не використовувалася, як це було б у західних країнах».
Філіп продовжує: «Я сподіваюся, що мій дизайн заохочує та надихає якомога більше людей. Моя дизайнерська практика — це візуальне рішення, яке було переосмислено для сучасної епохи, засноване на минулій історії та методології. Мій дизайн не залишається в минулому; це є і залишатиметься сучасним дизайном для людей минулої епохи».
Читайте також:
Дизайн логотипу Pinterest – історія, значення та еволюція
